桃子娱乐与苏萌的风暴尘埃落定,娱乐圈迎来了久违的宁静,而对于江黎曦而言,一个属于她个人音乐世界的宏大工程,才刚刚拉开序幕。
外界的纷扰如同淬火的冷水,反而让她内心的创作火焰燃烧得更加纯粹和炽烈。她将所有的感悟、挣扎、突破与希望,都倾注到了这张被命名为《星溯》的首张个人专辑中。
“星溯”,寓意着回溯星光来路,探寻自我本源,亦指向未来星辰的征途。
这个概念,在她经历了一系列风波,尤其是早期照片事件后,变得异常清晰和坚定。
她不想做一张迎合市场的流水线产品,而是要打造一部真正属于“江黎曦”的音乐自传,一部能与人深度共鸣的艺术品。
专辑的创作并非从零开始。
早在退团单飞之初,那首宣告独立的《破茧》就已经埋下了《星溯》的种子。
那时的呐喊是本能的反抗,而如今,她需要更系统、更深刻地梳理自己。
周姐为她请来了业界以概念性强、风格多元着称的金牌制作人张楠。
第一次会议在江黎曦堆满乐谱和书籍的公寓里进行。
“黎曦,你先说说,你最想通过这张专辑表达什么?”张楠没有寒暄,直接切入核心。
江黎曦沉默片刻,眼神望向窗外,仿佛穿透时光:“我想…回溯。回溯我来自哪里,回溯那些塑造了我的光与暗。有失去亲人的痛,有在奶茶店度过的青春,有被误解的委屈,也有被支持着的温暖……它们都是我的‘星尘’。”
她转回头,目光灼灼,“我不想回避任何一部分,无论是灰暗的,还是明亮的。我想把它们都融进音乐里,所以风格上,可能不会太统一。”
张楠眼中闪过激赏:“不统一没关系,内核统一就行。你的经历本身就是最丰富的调色盘。我们可以用不同的音乐风格,来承载你人生不同的侧面。”
第一首确定下来的核心曲目,并非主打歌,而是一首充满国风韵味的《根泥》。
这首歌的灵感,直接源于那次早期照片风波。
她没有沉溺于自怜,而是将那段清贫却坚韧的岁月,化为了创作的养分。
“我愿化身为泥,深埋故里,等一场雨,等一轮月明照沟渠…”歌词由她亲自执笔,摒弃了华丽的辞藻,用最质朴的意象,描绘了对故土、对已逝父母的深切思念与自身扎根于平凡的认知。
编曲上,她与张楠大胆采用了古琴与电子氛围音效的结合,古琴的苍凉悠远勾勒出时光的质感,而低沉的电子音效则如同大地深沉的脉搏,营造出一种既传统又充满现代孤寂感的听觉空间。
这首歌,奠定了《星溯》专辑的基石——真实、包容、敢于直面过去,并从中汲取力量。
概念确立后,真正的挑战才刚刚开始。
如何将多元甚至对立的音乐风格完美融合,并确保每一首都能直击人心,需要极其精密的锻造。
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江黎曦将自己完全沉浸在了创作的熔炉里。
A大编导专业的课程赋予了她极强的结构感和叙事能力,她像构建一部电影一样构建着专辑的曲序和情绪流。
《燎原》—— 这是一首充满力量感的电子摇滚。
灵感来源于“星火”们在她被全网黑时的不离不弃。
强劲的电子节拍模拟着心跳的鼓噪,失真吉他如同划破暗夜的利刃,副歌部分层层递进的合唱式呐喊:“星火聚,可燎原!暗夜碎,见新天!”
将那种绝境中因爱与信念而爆发的力量感渲染得淋漓尽致。
这首歌,是她对支持者们最炽热的回应。
《镜·界》—— 一首带有迷幻电子色彩的歌曲,探讨的是自我认知与外界目光的冲突。
歌词充满了哲学思辨:“谁在镜中凝望我,是真实还是虚妄?标签贴满的躯壳,何处安放真的我?”
编曲使用了大量的人声切片、延迟和混响效果,营造出光怪陆离、虚实难分的听觉体验,精准地映射出她在舆论漩涡中一度对自我产生的怀疑与最终的突破。
《流光戏》—— 这是一首将国风与流行舞曲巧妙结合的作品。灵感来源于代言织云坊和拍摄国风大片时的体验。
歌词化用古典诗词意象,描绘了一场穿越古今的幻梦。
编曲上,笛子、琵琶等传统乐器与轻盈现代的电子打击乐交织,旋律旖旎灵动,既展现了东方美学的韵味,又不失时尚感。
江黎曦还在这首歌里融入了一段自己设计的戏曲身段式舞蹈,堪称点睛之笔。
《无声告白》—— 专辑中唯一的纯钢琴抒情曲,是写给她已逝父母的。
没有宏大的编排,只有清澈而克制的钢琴声和她细腻到极致的气声吟唱。
歌词简单却沉重:“那些未说出口的话,沉淀成掌心的疤,时光偷走了回答,只剩思念沙哑…”
在录音棚录制这首歌时,她数次哽咽,几乎无法继续,最终保留了些许颤抖的哭腔,反而让情感显得无比真实和动人。
创作过程并非一帆风顺。
与制作人张楠在音乐理念上时有碰撞。
对于《镜·界》的编曲,张楠倾向于更商业化的处理,而江黎曦则坚持要保持其实验性和破碎感,认为那才是歌曲内核的真实表达。
两人争论不休,甚至一度僵持。
最终,江黎曦在录音棚里即兴发挥,录制了一个更具撕裂感和空间感的人声版本,听到成果后,张楠终于被说服,感叹道:“你对你自己音乐的理解,无人能及。”
这种对艺术近乎偏执的坚持,贯穿了专辑制作的始终。
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